野外彫刻 神戸市ポートアイランド

今回は神戸市のポートアイランドにある野外彫刻を紹介します。
ポートアイランドは神戸の三宮の南にできた広大な人工の島です。そこには住宅、大学、企業、港湾施設等があり、多くの野外彫刻が展示されています。　





まず、三宮のポートライナー駅の「るる」を見ることからスタートしましょう。


新谷英子の「るる （１９９１年製作）」です。ポートライナー１０周年記念として作成された作品で、ポートライナーのホーム（乗り場の中央）に設置されています。大きな筒状の円筒に３つのビーナスがレリーフのように作られています。伸びやかな手、美しく顔、実に魅力的な作品です。




中央公園駅でおりて、北公園にまず行きましょう。神戸を海から見ながら、公園内の３つの彫刻とみなと異人館（「旧ヘイガー邸）を訪れましょう。


そこには、神戸の暗い時代の鎮魂の碑があります。森下勲（１９３９年～　）の「港（神戸港港湾殉職者顕彰碑　１９７８年　製作）」という作品です。　神戸は日本有数の港ですが、一昔前の湾労働者は過酷な荷役作業でたいへんな重労働を課せられていました。そのために多くの労働者が亡くなり、その鎮魂を祈念してこの作品が製作されました。黙々と思い袋を肩に担いでいる労働者、しかも足が壁に埋め込まれています。座って何かを考えている人、凛として正面を向いて腕組みをしている人、長い棒をもって労働者を管理している人、当時の光景とその重苦しい空気が見事に表現されています。


そうして、中央公園に戻り、散歩道を通りながら、神戸市商工会議所を訪れます。そこには、柳原の代表作があります。近くの企業ビルを中心としてマルタ・パンの作品などが展示されています。

次にワールド記念ホールを訪れて、最後に先端医療センター駅で新谷の作品を見ます。島の中をゆっくり散歩しながら楽しみましょう。


上図はマルタ・パン （Marta Pan　１９２３～　）の「三つの部分からなる彫刻　神戸・ワールド本社ビル１９８４年製作」という作品です。以前札幌芸術の森の小さな池に白鳥とともに展示されていた白い作品が気になっていたのですが、その作品がマルタ・パンのものでした。マルタのテーマは「都市と自然との調和」です。　作品の白色の美しさと柔らかな曲線が、モダンな雰囲気を持っているこのポートアイランドと実にうまく調和しています。三つの作品ですが、こちら側に２作品、ビルの向こう側の入口にもう一つ展示されています。

ここで紹介できなかった作品は「アートを楽しむ山さんの美術散歩」にあります。

山さんの合掌　山さん

野外彫刻 神戸海岸通り

　神戸の海岸通には、明治時代に外国人居留地海岸通と呼ばれた所で南側を東西に走る道路に沿って２４の作品が展示されています。スタート地点は明治維新の立役者（勝海舟や坂本竜馬等）を生んだ海軍操練所跡です。最初に海岸通りに沿ってまず、５つの作品を見ましょう。次にメリケンパークをまわります。海辺の公園に強大な鯉（フィシュ・ダンス）をはじめとしてユニークな作品が強大なスケールで展示されています。神戸の空気を味わうには絶好の場所です。次に、海岸通に戻り、神戸を代表する新谷一家の緑の泉を見て、最後に、エスタシオン神戸（結婚式場）で日本を代表する３名の彫刻家を楽しみます。今回は多少距離がありますが、神戸らしさを味わうことができる山さん一押しの場所です。

今回はその中から、３つの作品を紹介します。

最初は峯田義郎（みねた　よしろう、１９３７年～）の「THE HORIZON'88（１９８８年　製作）」作品です。　

峯田の言葉に次のようなものがあります。　「若い日、物質に人間の内面を語らせるヒトの手技に驚き、その不思議な操作に魅了されて彫刻家を志しました。しかし存在する物の不可解な魅力とは実は夢を追わせる魔力であったことに気付かぬまゝ、自分の心を托す物のかたちを探す終わりない旅を続けることになっていました。」　

峯田のテーマのひとつは「手」なんですね。この作品も「手」の表現が独特です。どのような内面を表現しているのでしょうか。腕を曲げてまっすぐ正面を見ている少年、元気に飛んでいくハトたち。私には希望に燃えている少年の心を表現しているように思えます。

2番目に、 流政之（ながれ　まさゆき　１９２３年～　）作の「神戸海援隊　　１９９１年製作）を紹介します。
この作品のプレートには次のような文章が書かれています。

「1863年から65年にかけ神戸小野浜に勝海舟、坂本竜馬らによってつくられた海軍操練所が存在した。武士、町人、農民をとわず若者達が大洋に夢をはせ経済、科学など多くのことを学んだ。夢をはたせず志なかばに倒れていった若者達を神戸海援隊と名づけその短い青春の夢をここに刻む」

　外観はイースター島のアモイ像によく似ていますが、海を見ながらこの作品を見ると幕末の若者達の「志」を実感でき、心が熱くなってしまいました。

最後は、 環境造形Ｑ（増田正和、山口牧生、小林陸一郎の3人で結成された　１９６８年～１９８８年解散）の「メリケンシアター １９８７年製作）という作品です。
　

神戸の花隈（神港倶楽部）で日本で始めて「活動写真」が上映されました。これを記念して作られた作品です。

中央に大きな真ん中がくりぬかれた石（スクリーン）があります。その手前に、小さな40個の丸い石が放射状に置かれています。その石ひとつひとつに、有名な俳優の名前と生まれた年（例　マリリン・モンロー　１９２６　）が彫ってあります。その４０名の俳優を選定した人は神戸出身の映画評論家の淀川長治です。

　中央のスクリーン石に前に立って、４０名の俳優に囲まれ、自分だけの風景（映画）を楽しみませんか。　

ここで紹介できなかった他の作品は「山さんのアートを楽しむ美術散歩」で見ることができます。

合掌　山さん

本物のアーティスト 田中一村

最近は田中一村についての本や映画「アダン（ＤＶＤ）」をみたりして、一村を学んでいます。
これを巷では「一村病」と呼んでいるそうですが、見事にかかっています。

ずいぶん前ですが、ＮＨＫの「日曜美術館」で田中一村の番組があり感動していたら、
ちょうど西宮市立大谷美術館で「田中一村展」が開催され、見に行きました。

そのときの感動は今でも忘れることができません。
作品を見ていると、涙が自然に出てくるのです。

奄美の自然（植物、鳥、魚など）を中心に描いているのですが、作品の向こう側から私の心に切々と訴えてくる何かがにあるのです。

一村は、お金や地位や名誉のために描くのではなく、己の良心に基づいて、命をかけて作品を描き続けた人です。

きっと奄美の自然を通して、一村は人間世界を超えるものを描いたのではないでしょうか。小林照幸はそれを「神を描いた男」と表現しています。

上の絵は「アダンの木」という作品ですが、浪の音が聞こえてきませんか。

この浪は生きているように感じませんか。

私の心にはこの生きている浪の音が確かに聞こえてきます。

ひとつの芸術作品がこんなにも凄いものかと感動を超えた経験ができるーそれが一村の作品です。

奄美大島には、近年田中一村の作品を展示している美術館ができたそうです。
今年中にはぜひこの美術館で一村の作品にもう一度出会いたいと思います。


興味があれば、下記をクリックしてください。

　　　　　田中一村記念美術館

また、一村の生きてきた人生を知るには「アダン」という映画（DVD）をお勧めします。
私も購入しました。画家であり、俳優である榎本孝明の演技は、一村の壮絶な人生を見事に演じています。

一村に関して多くの本が出版されています。

・田中一村　『田中一村作品集―NHK日曜美術館「黒潮の画譜」』　日本放送出版
・中野敦夫　『アダンの画帖―田中一村伝』　南日本新聞社編 、小学館
・小林 照幸　『神を描いた男・田中一村』　中央公論社（〈中公文庫あり）
・加藤邦彦　『田中一村の彼方へ―奄美からの光芒』　三一書房
・『日本のゴーギャン田中一村伝南日本新聞社〈小学館文庫
・湯原かの子　『絵のなかの魂―評伝・田中一村』　新潮社
・『田中一村作品集《新版》』日本放送出版協会

私は、黒潮の画譜、神を描いた男、日本のゴーギャン田中一村伝、絵の中の魂を購入しました。

インターネットでも一村に関するサイトが多くありますが、下記のサイトをお勧めします。

１）一村の作品集（孤高の日本画家「田中一村」）
２）一村の本・全般（田中一村と私）
３）奄美大島と一村（田中一村超マニアックコース ）
４）一村と家族・人生（田辺サイト ）

合掌　山さん

１冊の本 彫刻の＜職人＞佐藤忠良 写実の人生を語る

日本人で初めてフランスのロダン美術館で個展を開いた代表的な彫刻家　佐藤忠良の人生を自ら語った本です。生い立ちから、シベリア抑留、貧乏であった画学生時代、軍隊での苦労、家族のこと、桑沢デザイン研究所（東京造形大学）での出来事　生き方・心情等、飾り気がなく、率直に語られています。
　本には多くのデッサン画があり、画家としての魅力も十分楽しめます。特に、６０歳の自画像は凛とした気概を感じる作品で私は好きになりました。
　この本で特に面白く感じたところは、インタビュー中に、佐藤のモデルであり、彫刻家の笹戸千津子の「つっこみ」があった部分です。気軽に読める本です。今週の山さんのお勧めの本です。



この本には、佐藤のアートに関する考え方が随所にあり、今回はこの言葉を紹介します。

・本物に出会う
「まだなんにもわからない、若い私たちのような人間にも、ああいうホンモノの絵（安井曾太郎のばら）のよさは、やはりわかるものなんですね。だから、美術に関しても、音楽にしても、まだよくわからなくていい。若いうちからホンモノの芸術作品に触れさせる機会をもっとふやして、よいものを見分ける感覚を養うような教育が必要だと思いますね。
～省略～　小さいころからホンモノの芸術に接して、誰かの価値感や見方を押し付けられるのではなく、強制的に感想や批評を言わされたりするのでもなく、自分なりに率直に感じることが、その人の感覚を養うのにとても大切なんですね。」

・部隊長の命令に「待った」をかけて逃避行
「今思うと、あのとき、一言「待ってください！」と叫ばなかったら、私の戦後はなかったかもしれないし、彫刻をつづけたい、はるかに遠いけれど歩いてでもパリに行きたい・・・という執着心がなかったら、抑留中（シベリヤ抑留）もずっと頑張れたかどうか疑問ですね。」

・手で苦心する話
作品は作者が仕上げた時点で一応完成するように見えますが、本当は”見てくださる人”や鑑賞する人がいて、その相互関係のなかで、いろんな感想や評価をもらったときに、表現というもにが成り立つのだということを、このときの例（母の顔-１９４３年製作　という作品が想定もしなかった外国人に改めて評価された）で実感させられましたね。

自分の作品で褒められたものや、人のものでもいいなと思った作品には”真実性”とか”純粋性”が感じられるのは確かです。それじゃ、次にもそういうものが、作れるかというと、要領のコツを覚えたというか、一度身についた一種のいやしさは、なかなかもとに戻らないものですよ。若いころの作品の中には未熟な部分があっても、素朴さのなかに、訴えるもの、訴えようとするものが自然に出てくることが多いですね。

「手というのはこわいものです。作品を創るときでも、手や指を表現するのがとても難しい。彫刻の手が普通以上に目立つと、手がおしゃべりをしたり踊ったりするなどと言いますが、ちょっとしたことでもどこかに作者の野心があると、とたんに像の手がおしゃべりを始めるし、甚だしい場合には踊りだすということが起こります。手や指を自然に表現することは、なんでもないようでいて、それくらい難しいですね。」

「朝倉文夫先生がよく、仕事をする者の技術について「１日休めば、１日の退歩」とおっしゃっていたけれど、私は退歩が１日分とまればいいほうで、「３日とかそれ以上の退歩になるかもしれない」といっも言っているんです。江戸時代の寺子屋にこんな教えがあったそうです。「手習いは坂に車を押すがごとく、油断をすれば後に戻るぞ」－うまいことを言ったものです。だから、とにかく休まずに、毎日工夫をしながら仕事を続けることが職人の第一歩なんですね。　あるとき若い人から「彫刻が上手になるコツはないでしょうか」と聞かれたことがあったので、私は「毎日コツコツとつづけることが最良のコツですよ」ち答えました。」

・いい形には”作用と反作用”が効いている
私の考える「作用と反作用」はもう少し広い概念です。作品が表す基本的な力の軸や方向に対して、どこかにそれに反したり違ったりする軸や方向が見られると、その作品は微妙な均衡を保って美しく感じられる－というような考えですね。

合掌　山さん

芦屋市立美術博物館 秘密のコレクション

昨日、「芦屋市立美術博物館」で開催されている「秘密のコレクション展（４月１２日～６月８日）」に行ってきました。この展示では、上羅芝山の書、ブルーデルのテラコッタで創られたレリーフ連作、 山田皓齋の絵画など、約３０点が展示されています。
美術館の２階の右側奥でこじんまりと展示されていますが、内容はいいものがありました。今回はその中から山さんが気に入った３点紹介します。

まず、部屋に入ると、大橋洋子（ １９５９年～　）の「PrologueII」（１９９４年　製作）があります（右図）。
染織とアクリルで作られていますが、画面が対角線で大きく分割されています。その対角線上に鳥が配置され、大空を飛んでいる姿は大変美しく感じました。
　その鳥は、繊維（染織）で作られていますので、立体感があり、やわらかさを感じます。こんな絵画があるのかと驚きました。

次は、芦屋に住居を構えていた山田皓齋（１９０６年～１９９７年）の「群三宝柑」（１９７０年代）です。 「三宝柑（サンボウカン）」とは和歌山県特産のみかんです。
今回の展示では「薬師寺幻想」や「素朴なロマネスク」などの西洋画的なものと日本画的なものを統合した作品がありますが、私はこの「群三宝柑」に特に引かれました。
　このみかんは存在感がありました。更に、神秘的に見えるのです。力強く、くっきりと書かれた輪郭線。背景の赤とみかんの黄色の配色がお互いの存在感を高めています。また、岩絵具で書かれているので、主張することなく、内面から伝わってくる何かがあります。

最後は有名なブルーデルの晩年（６６歳）のレリーフ作品です。これはジュルジュ・クレマンソーからの「デモステネスの挿画」依頼にもとづき１３組が作成されたとのことです。

デモステネスとはギリシャ時代の大雄弁家です。その物語を１３枚のレリーフにしたものが展示されています。

ブルーデルにこのような作品があったとは全く知りませんでした。レリーフはテラコットタ（粘土）で作られています。レリーフなので高さが３センチほどに制限されていて作るのがたいへん難しいのですが、さすがブルーデル、見事な作品を作っています。

作品数は少ないですが、じっくり味わえる空間がこの美術館にはあります。ゆっくりとした時間を味わうには、とっておきの場所です。

合掌　山さん

１冊の本 ニューヨーク美術案内

　アーテイストの千住博とノンフィクション作家の野地秩嘉の共著　「ニューヨーク美術案内」を今回は紹介します。この本が書かれた目的はつまらないと思える美術館を面白くするためのその「楽しみ方」を知ることにあります。では、おもしろくない美術館をおもしろく、ワクワクすることができるのでしょうか。　
第１章、２章は千住博の「絵を読み解く」楽しさを多くの作品を使って説明しています。１章は、ゴッホやモネの古典的名画を使って、２章は難解な現代アートを使って説明しています。実に丁寧で、千住の人柄が伝わってくるわかりやすい文章です。

　第３章、４章は野地秩嘉が実に興味深く現代アート見聞録を書いています。千住のまじめな内容と対照的に面白く書かれています。まるでアートの「野次喜多道中記」です。読んだ後、アートの読み方がわかると同時に、「爽快な気分になる」ことを約束します。山さんお勧めの１冊です。

では章をおって要約・説明していきます。

第１章　メトロポリタン美術館－絵を読む鍵（千住博作）
・いい美術館は壁の色と照明が違う
　現在東京の国立博物館で「国宝　薬師寺展」が開催されているます。その展示プロデュサー（照明・レイアウト等）の「木下史青」がＴＶ番組情熱大陸で、展示作品（日光・月光菩薩）に照明で命を吹きかけている仕事を見ました。たかが照明ですが、されど照明です。光の当て方だけでからりと作品の印象が異なることを実感しました。美術館にとっての命のひとつは「照明」にあります。千住はこの本の最初で、美術館の照明と壁の色で勝負つくと指摘しています。まずは、美術館に入って、壁の色と照明を確認してみましょう。きっと新しい美術館の楽しみ方ができるようになりますよ。

・描く姿勢－なぜゴッホの絵具は鮮やかなのか
　丁寧に画面の一つ一つを描いているゴッホの絵は、神様との対話であったと千住は述べています。ですから、貧乏であってもその絵の具は最高級のものを使っていたのだと。また、絵は単に眺めるものではなく、作者自身を物語っているので、画面を「読む」ことが大切と指摘しています。確かに、ひろしま美術館で見たゴッホの「ドービニーの庭」は、木の枝、花びら一つ一つが輝いており、実に丁寧に描かれていました。その秘密は、ゴッホが神と対話していたんだということを考えると納得することができるようになりました。作品を「見る」から「読む」、美術館での楽しみがまたひとつ増えますね。日本の仏師が仏様を彫るときは、１刀彫るごとに、祈りをするそうですが、ゴッホの絵もそれに通じるものがあるのですね。

・五感で見る－モネの眼のすごさ
　モネの目はどこを見ていたかというと、眼がだんだん見えなくなる中で、単に対象の色や形だけを見るのではなく、五感（形、色、温度、気配、匂い、手触り等）すべてを感じ、観ることにありました。そしてモネはそれを表現していったのです。今後は、私はモネの「睡蓮」を見るときは、形や色はもちろん、そのときの温度、気配、匂い、風、等を感じるかどうかためしてみたいと思います。

・答えは作品の中にある
　「絵は手がかりを見つけて読み解く美しいクイズのようなものであり、そのひとつとして作者を思い浮かべる方法（どういう状態でキャンバスと向かい合ったかを思う）がある」　と述べています。絵を前にして「あなたはいったい何をやろうとしたのですか。」という心の対話をすることを勧めています。それを具体的に、ボッティチェリの「ビーナスの誕生」、ピカソの「アヴィニオンの娘たち」との出会いを通じて、見えなかったものが見えるようになった感動の実体験を述べています。

・初めて出会う絵をどのように読み解くか
　画家になったつもりで見るルネサンス期のフレスコ画を例にとり、どのように読み解くか説明しています。まず、画家の立場に立ち、描くと時の画家の気持ちを想像する、たとえば、「自分が作者なら、まずどこから絵が始めるか」等を想像することを、千住は提案しています。　次に、「人物画は画家が一番手抜きをしやすい「耳」を見ましょう。その画家の実力が現れる」と述べています。
　この章の最後に、美術館には何度も通いましょう。何度も見ることで、毎回違うものを感じさせるのが名作であると指摘しています。そうすることで、美術館はきっと楽しいものになることでしょう。

２章から先は、「アートを楽しむ山さんの美術散歩」をお読みください。

合掌　山さん

二人の彫刻家 清水多嘉示とブルーデル

関西では今日は１日中雨だそうで、私は現在御堂筋の野外彫刻のHPを作成しています。

その中から今回は、二人の彫刻家の作品を紹介します。なお、写真をクリックすると、大きく表示されます。

まず最初に清水多嘉示（しみず　たかし（じ）　１８９７年～１９８１年）の「みどりのリズム　１９５１年製作」という作品です。

　清水は最初は画家を目指していましたが、パリでブルーデルに出会い彫刻家の道を歩み始めました。その師であるブルーデルの作品が隣に配置してあります。粋な計らいに感謝します。

　５０年前の作品ですが、古さは感じません。二人のバレリーナが手を組んで躍動感にあふれていますので、まるで、今ここで踊っているようです。
　踊っているその一瞬をとらえて彫刻にしている実にさわやかな作品です。

この作品の躍動感はどこから来ているのでしょうか？

私は二人のつま先で立っているトゥ・ダンシングの緊張感に注目しました。躍動感の源泉は両手のポジションにもありますが、バレエの命であるつま先の表現にあることを実感しました。

　同じ作品が清水の故郷原村の「八ヶ岳美術館」や岡山の後楽園等１０箇所に展示されています。特に、八ヶ岳美術館では、清水の作品が１００点以上展示されていますので、必見です。

さて、次は、清水の先生である ブルーデル（１８６１年～１９２９年）の「休息する女流彫刻家　１９０６年　製作」という作品です。　

　何かをじっと見つめている美しい表情の作品です。この女性は後に、ブルーデルの妻となるクレオパトールという人です。ブルーデルの彼女への愛情を感じる作品ですね。

単純化された表現と女流彫刻家がこれから彫るであろう石に右手をおいている姿勢は微妙なバランスを保っています。

当時のブルーデルは「偶然的な面を取り除き恒久的な面を求めようと私はしている、移り行く一時的な波動は二の次とし、普遍的リズムを追求する」と発言しているように、ロダンから学ぶというレベルからブルーデルらしさの彫刻を作り始めたことがわかる言葉です。　その作品のひとつが「休息する女流彫刻家」ではないでしょいうか。

　なお、同じ時期に彫刻を製作している「製作する女流彫刻家」という作品がありますので、対になって製作したものと思われます。

御堂筋にある残り２５作品は山さんのHP（アートを楽しむ山さんの美術散歩）を見てください。今週中にはアップする予定です。

合掌　山さん